domingo, 24 de mayo de 2015

AL ALBA

 
Foto de Puri Romero.
 
 
Es el año 1975 en la España franquista y hay orden de ejecución por fusilamiento de varios militantes anarquistas. Los reclamos y protestas de todo el mundo (hasta del Papa Pablo VI) son cada vez mas fuertes; pero la orden se cumplirá de  modo inexorable al alba de un día de setiembre
"AL ALBA " ; este poema del cantautor Luis Eduardo Aute expresa como pocos el horror de esas muertes, y el horror de toda muerte dispuesta por los hombres.
La canción cobró vida propia y la gente comenzó a cantarla en las plazas y manifestaciones, convirtíéndola en un himno de toda una generación
 
 
AL ALBA
"Si te dijera, amor mío que temo a la madrugada,
no sé que estrellas son estas que hieren como amenazas,
ni sé que sangra la luna al filo de su guadaña.
Presiento que tras la noche vendrá la noche más larga,
quiero que no me abandones amor mío, al alba.
Los hijos que no tuvimos se esconden en las cloacas, comen las últimas flores,
parece que adivinaran que el día que se avecina viene con hambre atrasada
Presiento que tras la noche...
Vendrá la noche más larga.
Quiero que no me abandones, amor mío, al alba
Al alba, al alba, al alba, al alba...
Miles de buitres callados van extendiendo sus alas,
no te destroza, amor mío, esta silenciosa danza,
maldito baile de muertos, pólvora de la mañana.

Presiento que tras la noche..."
 
 
(en la imagen: detalle de "Los fusilamientos del 3 de mayo", de Goya )
 
 
 

El parto en la América precolombina

 
 
 
Foto de Puri Romero.
 
 
La conciencia de la presencia de lo sagrado en el interior de cada hombre era una constante en todas las culturas de  la América precolombina; así entre los Aztecas la partera, encargada de recibir al niño en su nacimiento, le decía lo siguiente :
 
 "Hijo mío, muy amado y muy tierno (...) Has de saber y comprender que tu casa no está aquí. Esta casa en que has nacido no es más que un nido, un albergue al que has llegado, tu salida a este mundo donde brotas y floreces (...)
Tu casa es otra (...) Has sido formado por tu madre y tu padre, mujer y hombre celestes. Has llegado a este mundo de lejos, pobre y fatigado (...) Nuestro Señor Quetzalcoatl, que es el creador, puso en este polvo una piedra preciosa y una valiosa pluma"
 

 Cabe consignar que el alma humana se representaba simbólicamente entre estos pueblos mesoamericanos mediante el simil de la piedra preciosa y la pluma.
Quetzalcoatl, el ave/serpiente, expresión del orígen celeste de la humanidad, simboliza mediante sus plumas la cualidad del espíritu que permite al hombre-reptil elevarse desde la tierra hacia la conciencia de su dimensión como creador
 
 
 En la imagen: parto huichol, Niérika del pueblo Wixárika (México)


 

Lo que perdura

 
 
Foto de Puri Romero.
 
 
"Hazte fuerte en los viejos sueños
 para que nuestro mundo
 no pierda la esperanza."
 
 EZRA POUND.
 
 
 
 (en la imagen: "Los grandes abuelos dando vida al mundo"- Niérika - pueblo Wixárika- México )


 

domingo, 3 de mayo de 2015

viernes, 1 de mayo de 2015

Una mujer notable

 
 
Foto de Puri Romero.
 
 
Una de las mujeres mas notables dentro de las exploraciones del esoterismo de Oriente fue la francesa conocida como ALEXANDRA DAVID-NÉEL (1868 - 1969), quien a lo largo de su extensísima vida encarnó diferentes roles, tales como los de feminista. orientalista, anarquista, cantante de ópera, periodista, exploradora, espiritualista, budista y escritora.
Ya desde jóven Alexandra estudió en la Sociedad Teosófica de Paris, y cursó Estudios Orientales, especialmente sánscrito y filosofía, en Sorbonne University.  A los 22 años viajó por primera vez a India donde conoció a Swami Bhaskarananda, y descubrió la música tibetana de la cual se enamoró, al igual que de la cultura oriental.
A los 31 años, en 1899, escribió un tratado anarquista. Luego viajó a Africa y quedó fascinada con los llamados a la oración islámicos; también a partir de entonces comenzó a estudiar el Corán 
 
Foto de Puri Romero.
 
 
 Conoció luego (1904) al ingeniero Phillipe Neel y se casó con él . Pero mas tarde  decidió, de acuerdo con su marido, dedicarse a viajar y a explorar sola.
Tenía 44 años en 1912, cuando conoció al Maharaja de Sikkim, Sidkeon Tulku, y dió comienzo a una incesante sucesión de viajes junto  a su hijo adoptivo, el lama Yongden.
Son los años de la primera Guerra Mundial y ella se detiene en Japón y se hace amiga de monje Ekai Kawaguchi. De alli a Korea y luego a China, hasta arribar finalmente a Lhasa. capital del Tíbet, ciudad prohibida a los extranjeros. Es ahora el año 1924 y ella tiene ya 56 años 
Pasa el tiempo y podría pensarse que abandonaría para siempre su vida de exploradora nómade , y tal vez eso fue lo que ella misma pénsó ya que retornó a Europa, se separó definitivamente de su marido, y construyó su Ermita en la Provence, Francia,
No obstante años más tarde a los 69 (1937) vuelve a Tibet, luego de escribir más de 30 libros acerca de religiones orientales, filosofía y sus viajes.
 Financiada por su ahora ex-esposo, viaja a China y a Tibet, retornando a Francia recien a los 89 años. Pero tampoco entonces puede aguantar su anhelo de viajar y seguir conociendo esas misteriosas culturas de Oriente, y con mas de 100 años renueva su pasaporte con la intención de volver al Tibet, cuando finalmente muere

Foto de Puri Romero.


 Un verdadero ejemplo es el suyo para tantas mujeres que al llegar a la madurez se abroquelan en una quejosa soledad, lamentándose por sentirse condenadas a vivir en un mundo que ellas sienten como estéril y frio sin comprender que son ellas mismas las que así lo conforman

 
 
 

jueves, 23 de abril de 2015

La muerte de un poeta, médico y astrólogo


Foto de Puri Romero.



Espíritu inquieto y cuestionador, médico-astrólogo, poeta, y filósofo, el italiano Francesco Stabili, más conocido como CECCO D' ASCOLI ( 1269 – 1327), moriría a los 58 años quemado en la hoguera por la Inquisición
La génesis de esa muerte podría remontarse ya al momento en que, a sus 18 años, Cecco ingresa al monasterio de la Santa Cruz ad Templum, centro propulsor del esoterismo templario. Luego, en 1314, se afincó en Florencia - Y años más tarde lo veremos como astrólogo de la corte de Carlos II de Nápoles y Sicilia, destacándose por su temperamento obstinado, su actitud transgresora y su sed imparable de conocimientos.
Tal vez debido a esto fue que en Bolonia, a sus 55 años, (en 1324), cuando enseñaba en la facultad de medicina de la Universidad, la acechanza de la Inquisición comenzó a cernirse concretamente sobre él; recibió entonces su primera condena por haber hecho comentarios negativos sobre la religión cristiana; debió pagar una elevadísima multa, perdió su trabajo y se le incautaron sus amados textos de astrología ( referidos a los comentarios del libro "De principiis astrologiae" del musulmán Alcabitius y el "De sphaera mundi de Giovanni Sacrobosco). Pero era tanta la fama y el reconocimiento de sus alumnos, asi como el respeto que había logrado de parte de sus colegas, que un año después, en 1325, Cecco recibió la cátedra universitaria y fue promovido de nivel.
 Su fama como médico había crecido constantemente con el correr de los años; él había sido parte del personal médico del Papa Juan XXII;. y en 1326, Carlo, duque de Calabria, hijo primogénito del rey Roberto d'Angiò lo nombró médico de la corte.
Ya entonces Cecco, a sus 57 años , en la cima de sus investigaciones y de su saber, estaba escribiendo un obra: el Acerba , poema didáctico y tratado filosófico-científico que trataba, entre otros, temas de la astrología-medicina


Foto de Puri Romero.

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Eran tiempos aquellos en que el estudio de la astrología y de la alquimia, eran consideradas disciplinas que, aunque no prohibidas oficialmente, resultaban sospechosas de originar doctrinas heréticas; entonces la Inquisición da su golpe final : el médico- astrólogo es acusado de "errores contra la fe".errores tales como el hecho de que:

 1)  "Cecco d'Ascoli afirma que uno puede, bajo ciertas constelaciones de estrellas, hacer cosas extraordinarias, además  él cree en la existencia de espíritus malignos en las esferas superiores (lo que se parece a una creencia de los cátaros)"
2) "Él  cree que el nacimiento de Cristo puede ser proporcionado por la posición de las estrellas, lo que contradice el dogma católico de la omnipotencia divina"
3) "Él también cree que la venida del Anticristo se puede predecir, y astrológicamente, lo cual es contrario a los Evangelios".

Y así, mediante estas acusaciones, Cecco es condenado a la hoguera, se le da la oportunidad de retractarse ante los jueces admitiendo que las estrellas no tienen influencia alguna sobre las enfermedades ni sobre los hechos de los hombres, pero él se niega a retractarse y la sentencia de muerte se cumple el 16 de septiembre de 1327, en Florencia



Algunas tradiciones cuentan que su fuerte personalidad no se derrumbó ante las llamas que lo devoraban, y que le oyeron gritar: “Lo he dicho, lo he enseñado, lo creo!”.


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martes, 10 de marzo de 2015

1984 donde sueñan las verdes hormigas


 
 
Una notable película excelentemente realizada:
 
En un remoto desierto de Australia, viven dos tribus aborígenes, que se esfuerzan denodadamente por conservar una cultura de 40000  mil años de antigüedad, con sus costumbres, ritos y leyendas sobre la creación del hombre y la naturaleza.
El conflicto surge cuando un consorcio minero se propone extraer uranio dentro de su territorio, en un lugar sagrado para ellos llamado "Donde sueñan las hormigas verdes".
 Es la rebelión del mundo del espíritu contra una civilización groseramente materialista que lo quiere todo, que no va hacia ninguna meta  y que no comprende nada.
 
 
 
 

 

viernes, 6 de febrero de 2015

El Tesoro de los Quimbayas


 
 
 
 
 
 
Son enteramente de oro, estuvieron ocultas mas de 1600 años;  luego al ser halladas y desenterradas se regalaron a España en otra de esas absurdas desvalorizaciones de lo americano tan típicas de ciertos gobiernos del continente
Mas allá de su inmenso valor en oro poseen un valor mucho mayor por tratarse del testimonio de una cultura americana de la que se sabe muy poco
 
Se trata del Tesoro de los Quimbayas, un conjunto de 123  piezas prehispánicas  de oro, y algunas de cerámica,  halladas en Colombia , con una datación que lo refieren  al siglo II de nuestra era.
 
 
 
 
  
 
Este tesoro  fue desenterrado por  ladrones de tumbas cerca de la localidad de Filandia, en la región de Quindío, Colombia, en el año 1890 y apenas dos años despues ,en 1892 fueron regaladas por el Gobierno de ese país  a la reina regente María Cristina de Habsburgo-Lorena por la ayuda prestada en un conflicto fronterizo.
Al respecto, el 20 de julio de 1892, el presidente colombiano Carlos Holguín, en su mensaje al Congreso, dijo de esta colección: "Es la más completa y rica de objetos de oro que habrá en América, muestra del grado de adelanto que alcanzaron los primitivos moradores de nuestra patria. La hice comprar con ánimo de exhibirla en las Exposiciones de Madrid y Chicago y obsequiársela al Gobierno español para un museo de su capital, como testimonio de nuestro agradecimiento por el gran trabajo que se tomó en el estudio de nuestra cuestión de límites con Venezuela y la liberalidad con que hizo todos los gastos que tal estudio requería. Como obra de arte y reliquia de una civilización muerta, esta colección es de un valor inapreciable."
 
 
 
Y así fue como estas piezas invalorables del arte americano llegaron a España; luego fueron expuestas en Sevilla durante el IV Centenario del Descubrimiento de América; y periormente guardadas en el Banco de España.
Hoy se las puede ver en el Museo de América de Madrid; a miles de kilómetros de su lugar de origen.
 
 

  
 Las  piezas de oro, con un peso aproximado de quince kilos, son obras que responden a necesidades rituales y funerarias. En su inventario hay doce clases de objetos, clasificados así: seis estatuillas, una cabeza, dos instrumentos musicales de viento, once recipientes o "poporos", dos cuencos, ocho alfileres, una corona, seis cascos, 21 narigueras, 31 orejeras, once collares, cinco cascabeles, seis pendientes y nueve pasadores.
 
 
 
 
 
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Estéticamente, las obras de mayor interés son las estatuillas desnudas masculinas o femeninas, de pie o sedentes; pequeñas esculturas áureas de bulto redondo, huecas, modeladas previamente en cera y luego fundidas con la destreza característica que lograron los quimbayas en la representación del cuerpo humano, caracterizado por el modelado anatómico muy esquemático, mediante formas simples y macizas, pero haciendo especial énfasis en el tratamiento de la cabeza, de acentuado naturalismo en la ejecución de rasgos faciales.
Es de advertir que estas figuras son huecas porque, a la vez, son recipientes.
 El tesoro también cuenta con los clásicos "poporos", de formas globulares que representan frutos, o de formas esquemáticas y redondas, y algunos decorados con figuras.
 
 
 
 
Objetos únicos son los instrumentos musicales y la cabeza, que es un sahumador. Igualmente los cascos son muy interesantes por su técnica de laminado, y por su decoración con motivos geométricos y figuras.
Los demás objetos son recipientes semiglobulares que imitan la forma de la totuma, alfileres con figuras, collares de figuras esquemáticas, orejeras en forma de carrete y narigueras semejantes a las que ostentan los personajes representados en las estatuillas.
 
Todas estas piezas del tesoro tienen especial importancia, tanto por su sistema de representación que exalta el cuerpo humano, como por el diseño, por su perfección formal y por su depurado sentido estético.
 
 
 
 
 
 

EL SEÑOR DE SIPAN


lunes, 22 de diciembre de 2014

LOS DIBUJOS DE VAN GOGH

 
 
 
 
”... en las profundidades de miseria en que me sentía, resucitó mi energía y me dije a mí mismo, lo superaré de algún modo, empezaré a trabajar otra vez con mi lápiz que había hecho a un lado en mi abatimiento profundo y dibujaré otra vez; y desde ese momento he tenido el sentimiento de que todo ha cambiado para mí..."
(fragmento de una carta de Van Gogh escrita en 1880 a su hermano Theo)
 
 
 Una foto de Puri Romero.
 
 
 
Van Gogh pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) pero  realizó más de 1.600 dibujos en solo 10 años (etapa de 1880-90)
 
 
 
Él consideraba que dibujar era la base de la pintura y se había propuesto  trabajar duro para cualificarse como artista. Una serie de dibujos paisajísticos del pueblo rural de Etten, donde se afincó en la primavera de 1881, muestra la habilidad que desarrollaría en ese género.
 
 
 
 
 
 
A principios de 1882 se muda a La Haya, donde siguió un periodo de gran experimentación técnica : Van Gogh probó muchos materiales de pintura – principalmente el negro – e intentó dominar   la perspectiva y la anatomía. El característico y robusto estilo de dibujo de su época holandesa va definiéndose  .
 
 
 
Una foto de Puri Romero.
 
 
En diciembre de 1883, después de un corto periodo de tiempo en la provincia de Drenthe, Van Gogh se establece en Nuenen. Allí dibuja y pinta a las tejedoras y sus miserables condiciones de vida. Su capacidad como dibujante adquiere gran poder con una serie de siete impresionantes paisajes, realizados en marzo/abril de 1884, . Dejan ver claramente que Van Gogh tiene capacidades fuera de lo común para el dibujo. Como esos trabajos no tienen éxito comercial, durante el verano de 1885 se concentra de nuevo en el estudio anatómico, lo que produjo más de cincuenta obras, principalmente sobre agricultores afanados en su trabajo.
 
Aunque esos dibujos no eran más que ejercicios, esa serie es de calidad excepcional, y contiene obras maestras como el Arenleester (la espigadora) y el Houthakker (el cortador de madera).
 
 
Una foto de Puri Romero.
 
 El genio de Van Gogh se expresa no solo en sus pinturas, sino también en sus dibujos; su manera de dibujar era  innovadora y maravillosa,  Sus texturas, sus trazos cortos, todos necesarios y con sentido, que acarician las formas, y  dirigen la vista en la dirección que el artista  desea...
Normalmente hacía un dibujo o encuadre previo con lápiz, utilizando en algunas ocasiones uno de carpintero. No siempre lo hacía, pues algunos dibujos los realizaba directamente con tinta. Esta tinta la aplicaba, desde su estancia en Arles en 1888, con un cálamo,( caña afilada con un cortaplumas). Este descubrimiento cambió su forma de pintar. Sus líneas cortas, puntos y tramas dan forma y movimiento a sus dibujos, con un uso casi caligráfico, influencia de la pintura oriental que tanto admiraba. Ese uso de los cálamos, ese trazo que también aplica cuando pinta con pincel, es una de las características que lo hacen inconfundible.
Utilizaba tintas, algunas hechas con anilina, que con el tiempo se han transformado en diversos  tonos de marrón, pero que fueron de color negro en el momento de dibujar. El papel que habitualmente utilizaba para sus dibujos era "laid paper", "watermarked", con marca al agua, es decir papel hecho a
mano con la trama de la bandeja donde se secaba la pasta del papel.
 
 
 
 
 
Pero, volvamos algunos años atrás ; en una  carta de julio de 1882 , Van Gogh escribe: "Quiero hacer dibujos que conmuevan a la gente. "Dolor" es un inicio [...] hay al menos algo que viene directamente de mi propio corazón."[
Él describía a esa obra como: "la mejor figura que he dibujado".
Se trata de el dibujo de una mujer desnuda que se  repliega sobre su vientre como buscando protección, los senos exhaustos revelan antiguas y nuevas maternidades, y los trazos precisos, casi ascéticos del dibujo nos traducen el agotamiento del cuerpo y del alma de la mujer .
Ella está encorvada, vencida, inserta  en un paisaje árido de troncos talados y  árboles sin hojas  cuyas
ramas parecen querer desgarrar al cielo. Una leyenada escrita  en la parte inferior de la obra dice :."¿Cómo puede existir sobre la Tierra una mujer sola?", ( es la cita de un libro )

Se trata de "Dolor" un dibujo a lapiz y a tinta realizado por  Vincent Van Gogh en 1882.
Hay varias versiones de esta obra, algunas mas suaves y estilizadas con cierta influencia de la estampa japonesa  pero yo prefiero ésta, dónde .Van Gogh nos grita todo su dolor, horrorizado ante ese también  dolor de la miseria humana, esa humanidad destruída por una sociedad indiferente y voraz
Se trata del retrato de.Sien Hoornik una prostituta, ya madre de una hija a quien el artista encontró vagando por las calles de La Haya y acogió en su hogar llevado por esa empatía que signó su vida. Aquí el dolor es de ambos y ahonda una llaga que luego llevará al artista a su muerte
Y sin embargo la conciencia del arte aparece  dando sentido e iluminando  todo este dolor compartido Así en una de sus cartas de ese mismo año Van Gogh escribe:  : "Quería expresar algo acerca de la lucha por la vida, tanto en esa delgada y pálida figura femenina como en esas raíces negras y retorcidas con sus nudos. "
La historia de Sien y Van Gogh termina tristemente cuando en 1883 apenas un año después de haber posado para este dibujo y luego de haber dado a luz nuevamente, ella comienza otra vez a beber y prostituirse y su relación con Van Gog  se destruye
Él morirá en 1890  y ella se sucidará en 1904  arrojandose al rio en  en Rotterdam; pero del encuentro de ambos quedará esta imagen considerada como uno de los mejores dibujos del artista
 
 

Los onas: Vida y muerte en Tierra del Fuego (VV. DD., 1977)


 
 

lunes, 10 de noviembre de 2014

LAS PINTURAS NEGRAS

Una foto de Puri Romero.
Detalle de "El Aquelarre"

 
 
En la última época de su vida, solitario, sordo y huraño, el español GOYA, a sus 74 años, pinta en las paredes de su casa las imagenes del mundo oscuro y sombrío en el que está inmerso.
 
 
Las Pinturas Negras de Goya (Completas) - Arte Sublime
"El Aquelarre" (vista completa)
  
 
Se las llamó "Las pinturas negras" y evocan con implacable ferocidad el submundo de lo siniestro, adelantándose por casi un siglo a la intensidad del expresionismo Alemán
 
 
 
Una foto de Puri Romero.
 
 
Durante cuatro años, desde 1819 a 1823, y cinco años antes de su muerte, el artista, encerrado en su quinta desarrollará obsesivamente temas como el de la muerte y la inexorabilidad del destino ("Átropos") , la decadencia caricaturesca de la vejez; y la presencia terrorífica de brujos y
demonios, ( "El Aquelarre") o temas mitológicos como "Saturno devorando a su hijo"
 
 
pinturas negras
"Dos viejos comiendo"
 
 
Utilizando tonos oscuros y tierras, pintando manchas y pinceladas sueltas de inmenso poder xpresivo, Goya supo evocar como ninguno todo el horror de esas oscuras presencias, grotescas y aterrorizantes, seres bestiales, semihumanos, atrapados en una materialidad envilecida, como evocación del infierno
 
Son pinturas  que no intentan ser naturalistas sino expresar lo horrendo de un contenido psíquico que parece devoralo por  adentro, y para ello Goya plasmará personajes  de rostros  desencajados, con  expresiones alteradas, y terribles gestos 
 
 
Se  trata de una serie de catorce cuadros que  Francisco de Goya pintó  con la técnica de óleo al seco (sobre la superficie de revoque de la pared) en  los muros de su casa, a la que llamaban  "La Quinta del Sordo", Estas obras que actualmente se encuentran  en el Museo del Prado de Madrid, fueron sacadas de los muros y trasladadas a lienzo en 1873.
 
 
 
 
arte
"Átropos"
 
 Tal vez esta pintura : "Átropos", donde el artista enfatizó la imagen de Átropos (‘inexorable’ o inevitable’) la mayor de las tres "Moiras" de la mitología griega, -quien era la encargada de  terminar  con la vida de cada mortal, cortando su hebra con sus tijeras-  nos pueda ejemplificar lo que Goya sentía interiormente en esos últimos años antes de su muerte
 
 
 
 

martes, 9 de septiembre de 2014

EL ETN0GR4F0 (2O12)


 
 
JOHN PALMER  es Doctor en Antropología por la universidad de Oxford y representante legal de la comunidad  Lapacho Mocho. en el Chaco salteño (Norte de Argentina) Este documental nos muestra parte de la problemática por la que atraviesa actualmente esa etnia indígena Wichi , y la vida de Palmer en esa comunidad
Una comunidad a la que arribó hace mas de 30 años con el fin de hacer una estudio de la cultura wichi para su universidad y cuya espiritualidad lo fue atrapando de tal modo que se quedó a vivir allí, en el Chaco salteño, formando una familia con una jóven aborigen wichi con quien tuvo cinco  hijos
La película nos muestra en Palmer a un hombre que en el encuentro con una humilde comunidad indígena supo despojarse de sus "pre-juicios" de hombre blanco de clase media y se insertó en esa otra forma de vida con absoluto respeto por sus  valores, aunque  sin perder su propia autenticidad.
Palmer escribió.."La buena voluntad wichí. Una espiritualidad indígena"  y participa activamente en la lucha por la defensa de las tierras wichis ante las grandes corporaciones que pretenden usufructuarla para los cultivos de la soja transgénica.
A veces, en algunos momentos de la película nos parece adivinar que esta lucha solitaria de Palmer y unos pocos hombres ante los intereses de los grandes monopolios, está perdida; pero cuando vemos la manera en que este antropólogo cuida y trata a sus pequeños niños, comprendemos  que esta lucha y esta actitud, verdadero ejemplo de vida, se continuará en su descendencia
 
Para mas información: